Met meče novo luč na svoje največje uspešnice in zgodovino
Goya, Caravaggio, Rubens, Velázquez in drugi so v sijaju podstrešja v evropskih galerijah. In muzej priznava oblikovno silo umetnosti kolonializma, suženjstva, odvzema pravic žensk.
V temnem času začne oko videti, je zapisal pesnik. In po temnem, temnem času, ki smo ga preživeli, ima lahko letošnji zimski solsticij, ki označuje začetek počasnega vzpona nazaj v svetlobo, večjo metaforično težo kot običajno.
Po naključju ima Metropolitanski muzej umetnosti nekaj lastne restavrativne osvetlitve. V zadnjih desetletjih so strešna okna, ki so prinašala naravno svetlobo v evropske galerije slik, postala obrabljena in napol funkcionalna, zaradi česar so nekateri prostori napol temni. Leta 2018 je muzej začel delovati štiriletni projekt zamenjave vseh strešnih oken . Delo je zahtevalo, da se polovica od 45 galerij zapre v dveh fazah in kosi zbirke začasno shranijo ali preselijo. (Nizozemske slike muzeja so na ogled v Robert Lehman Wing .)
Ker je polovica novih strešnih oken zdaj postavljena, je bilo ponovno nameščenih in ponovno odprtih 21 galerij, v katerih je približno 500 slik in nekaj skulptur. Kot smo videli na nedavnem oblačnem decembrskem popoldnevu, je bila nova osvetlitev – naravna z nekaj umetno izboljšano – videti dobro, manj dramatična, kot se je spomnila, a enakomerna in jasna, verjetno blizu vrste luči, ki so jo umetniki delali v Evropi med letoma 1250 in 1800 , datumi, ki okvirno uokvirjajo zbirko, so morda naslikani.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
Projekt ustvarja tudi druge vrste osvetlitve. Kustosinja, zadolžena za ponovno namestitev, ki jo vodi Keith Christiansen, predsednik evropskega slikarstva pri Metu, izkoristi priložnost za premislek.
V galerijah, ki so bile nekoč urejene večinoma po geografiji in datumu, mešajo stvari, da bi osvetlili nadnacionalne izmenjave in mejne prehode. In na glas, v tisku, priznavajo moč, ki oblikuje umetnost družbenopolitičnih realnosti – kolonializma, suženjstva, odvzema pravic žensk –, ki jih ta muzej v svojih stalnih zbirkah skoraj ignorira.
In pomembno je, da to počnejo, ne samo zato, da bi pospeševali pripovedovanje zgodovinske resnice, ampak da bi zagotovili in razširili občinstvo za umetnost. Skozi desetletja sem opazil upadajoče zanimanje za stare galerije Met, ki so nekoč veljale za glavno znamenitost muzeja in kronske dragulje. Morda je to spremembo mogoče pripisati premikom v šolskem izobraževanju. Skoraj zagotovo je stranski produkt digitalne kulture, ki nas neustavljivo drži pripeti v sedanjost. V resnici pa so družbenopolitične teme, ki se pojavljajo pri ponovni postavitvi umetnosti iz preteklosti, zelo od prisoten. Ustvarjanje te povezave je bistvenega pomena za privabljanje občinstva v prihodnost.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
Kakorkoli že, ne glede na razlog, zakaj ljudje obiskujejo galerije – da si ogledajo novo razsvetljavo, vzorčijo nepričakovane (na Metu) ideje ali ujamejo nekaj največjih slik na planetu – je pravi razlog.
Spremembe niso očitne takoj. Kuhinja z visokim stropom na vrhu Velikega stopnišča uradno ni del ponovne namestitve. Posvečen beneškemu umetniku Giovanniju Battisti Tiepolu iz 18. stoletja, je postavitev, stalnica v muzeju, ki je navsezadnje Tiepolo-Central. Tukaj je več njegovega dela kot kjer koli zunaj Benetk. Oddaljeni pogled na njegove velike slike angelov in bogov, položenih na kumulusne oblake, naj bi vas potegnil po stopnicah, v nebesa, in to počnejo. Zakaj spremeniti zmagovalno stvar?
Inovacije se začnejo tik za njim, v galeriji, ki je bila nekoč preprosta vzorčevalec italijanskih baročnih slik, zdaj pa ima bolj specifično temo: baročni Rim. V 17. stoletju je bil Rim magnet za umetnike iz vse Evrope, lačne protireformacijskih naročil. Mnogi so bili Italijani; Caravaggio, Guercino in Guido Reni so vsi tukaj. Toda tudi mladostni Velázquez iz Madrida in z očarljivo majhno sliko mlade Device Marije Francisco de Zurbarán, ki nikoli ni zapustil Španije, čeprav se je tam do njega prebil rimski barok.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
V naslednji galeriji, imenovani Slikarstvo kot ogledalo narave: 1420-1480, se sever in jug srečata v izvrstni vrsti portretov, posnetih na glavo. Nekateri so Italijani, drugi Nizozemci, razlika je v tem: italijanski portreti predstavljajo ljudi, kakršne bi verjetno želeli videti, gladke polti in napetih; severni jih pokažejo takšne, kot so v resnici, strnišča, namrščene črte in vse. V slavnih dvojnih portretih Hansa Memlinga Tommasa in Marie Portinari - Florentina, ki živita v umetnikovem domačem mestu Bruges - se oba pristopa združita. Vsaka obrazna guba je upoštevana in varuške so lepe.
15. stoletje je bilo tekoč čas za kulturo. Umetnost in vplivi so potovali, hitro in široko. V času Memlingovega življenja se je njegovo delo prebilo v Italijo, Francijo, Anglijo in Poljsko. Slika umetnika starejše generacije iz Brugesa, vzvišenega Jana van Eycka, je bila uspešnica v Neaplju, kjer je morda navdihnila sicilijanskega rojenega Antonella da Messino, da je prevzel in obvladal nizozemski medij oljnega slikarstva.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
Antonellova umetnost je izven kategorij, slogovno in ekspresivno. Njegova doprsna slika Kristus, s trnjem okronan, iz okoli leta 1470, je tako domiselno fantastična kot tudi portretno specifična. Kristusov obraz ima pretepane poteze boksarja, ki je izgubil boj, in moleči pogled obsojenega človeka, ki je pravkar popolnoma razumel svojo usodo. Ena najbolj nenavadnih in najbolj ganljivih podob v zgodnjih evropskih fondih Meta, je na vsak način nedostopna, izven vsakršne umetniške zgodovinske pripovedi, ki vodi do tega.
Met podpira takšne pripovedi – večina velikih, splošnih muzejev – in se jih drži v delih nove instalacije. Za galerijo portretov iz 15. stoletja sledi še ena, osredotočena na verske motive (tu je Antonello), ki so si jih delili umetniki iz Evrope pred reformacijo. Temu pa sledi razstava modnih florentinskih izdelkov za dom: poročne skrinje, kozarci iz majolike in spominski krožniki. (Osrednji del je rojstna plošča Lorenza Veličastnega, ki jo je okrasil mlajši umetnik-brat velikega Masaccia.)
Potem nenadoma pride do prekinitve časovnice. Stopite iz Italije 15. stoletja v Francijo 18. stoletja in rokoko svet Fragonarda in Watteauja. To je svet izjemne delikatese in - na slikah, kot je Fragonardova žena s psom - samozabavne duhovitosti. In kot je destiliran tukaj, se zdi, kljub svoji urbanosti, vakuumsko zapakiran: ves čas francoski. (Galerija britanske umetnosti 18. stoletja ima podoben občutek, da je kulturno zaprt sistem, otoška umetnost.)
Ko izstopite iz nje, naredite še en preskok, ta preobrat nazaj v vseevropski barok. In na tej točki kustosi osvetlijo vprašanje rase v dvoodstavnem zidnem besedilu z naslovom Suženjstvo, rasa in ideologija v Evropi v sedemnajstem stoletju. To nikakor ni edina omemba. Besedila v renesančnih galerijah se nanašajo na zasužnjene Afričane v Antwerpnu in Firencah iz 15. stoletja. Posamezne oznake tu in tam označujejo videz črnih figur na slikah, ki jih igrajo kot magi v prizorih jaslic ali kot služabniki v vrhunskih portretih.
V kontekstu intenzivnega dviga zavesti Black Lives Matter v zadnjih letih se vse to zdi kot blaga, pozno prihajajoča gesta. Toda v muzeju, ki je v svojih stalnih zbirkah skoraj nemo o temi rasizma, se vsaj začne pogovor. Tudi galerija, osredotočena na umetnice, ali na peščico, ki je po francoski revoluciji ustvarila kariero v Parizu. Njihove kariere so imele vgrajene meje. Moški so ustvarili pomembno umetnost: zgodovinsko slikarstvo. Ženske so bile omejene na manjše žanre, kot sta tihožitje in portret.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
Vendar je Leser ustvaril dve najbolj ganljivi podobi Met iz 18. stoletja: monumentalni avtoportret Adélaïde Labille-Guiard iz leta 1785 z dvema učencema, Marie Capet (1761-1818) in Marie Marguerite Carreaux de Rosemond (umrla 1785) in Elisae Le Louis88. Brunov intimni portret njene 7-letne hčerke Julie, ki gleda svoj odsev v ročnem ogledalu.
Čudovito, oboje. Slika Vigée Le Brun, študija nastajajočega samozavedanja, je po zapuščini prispela v Met ravno lani. Slika Labille-Guiard, ki se je zavzemala za enakopravnost žensk in svoje prepričanje prenesla na naslednjo generacijo, je v zbirki že od petdesetih let prejšnjega stoletja in jo občasno zasledim, samo da bi dobil popravek njenega sijočega optimizma.
Na koncu je največje zadovoljstvo ob vrnitvi evropskih slikarskih galerij – vseh 45 jih bo ponovno odprtih leta 2022 – priložnost, da ponovno obiščete prijatelje, mnoge že dolgo poznane, nekatere nove. Vsi imamo svoje favorite. Od tistih, ki so zdaj na ogled v prenovljenih prostorih, bom omenil le nekaj svojih.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
diptih Jana van Eycka Križanje; Zadnja sodba iz zgodnjih 1440-ih (Galerija 602) je zagotovo ena. Celotna vesolja, naravno in moralno, stisne v dve ozki leseni plošči.
Všeč mi je Botticellijevo majhno, brezhibno Zadnje obhajilo svetega Jeronima (Galerija 606). Izhaja iz 1490-ih in je prišla pozno v umetnikovi karieri. Do takrat je že prebolel stiskanje, čustveno in duhovno, a zdi se, da tukaj razreši vse stiske v podobi milosti ob koncu življenja.
Enako bi lahko rekli za drugo pozno sliko, avtoportret Petra Paula Rubensa v skoraj naravni velikosti z ženo Heleno Fourment in njunim malčkom Fransom (Galerija 617). Samozaposlitev, verjetno je bila storjena okoli leta 1635, ko je bil Rubens v poznih 50-ih, Helena, njegova druga žena, pa skoraj 40 let mlajša. Pogleda jo, kot da ne more verjeti, da je tam, stoji ob njem, z mehko belo roko na grobi roki in žari kot svetilka. Sprehajajo se skozi vrata svojega vrta v Antwerpnu, ki ga je spremenil v raj. Toda ali vstopajo ali odhajajo? Nemogoče povedati.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
Sem dolgoletni oboževalec študije mlade ženske Johannesa Vermeerja iz poznih 1660-ih, ki je zdaj del knjige In Praise of Painting: Dutch Masterpieces at the Met in the Lehman Wing. Nekatere portretne varuške se zdijo utrujene ali zmečkane. (Mnogi Antonellovi so videti kot resni povzročitelji težav.). Vermeerjeva mlada ženska s svojim golim obrvjo in široko postavljenimi očmi nakazuje prijaznega E.T.-ja, pripravljenega na zabavo, nekoga, ki bi ga rad poznal.
Ko je Met leta 2004 kupil delo Duccia di Buoninsegne Madona z otrokom (Galerija 624) za 45 milijonov dolarjev, so se nekatere obrvi dvignile. Preveč denarja! narobe. Bilo je vredno vsakega centa, zdaj pa je neprecenljivo. Datira okoli leta 1300, je približno velikosti iPada in je pobarvan v tempero in zlato. V njej dojenček Jezus odrine materino tančico, da vidi njen žalostni obraz. Njihove oči se srečajo. Oba poznata prihodnjo zgodovino.
Slika je lahko ali pa ni bila narejena za zasebno bogoslužje. Njegov natančen izvor je nejasen, vendar lahko vidimo, da je bil predmet pobožne pozornosti. Na njegovem okvirju so še vedno vidni temni ožigi od oltarnih sveč. In danes v Metu še vedno izžareva vse vrste svetlobe.
SlikaKredit...Jeenah Moon za The New York Times
Nov pogled na stare mojstre do pomladi 2022. Metropolitanski muzej umetnosti, metmuseum.org, (212) 535-7710. In Praise of Painting: Nizozemske mojstrovine v Metu, v teku. Prosim preverite spletna stran muzeja za varnostne protokole in mestne smernice za javno zdravje, preden načrtujete potovanje.