V želji po svežem posnetku, galerije pridobijo neznano stran znanih umetnikov

Prezrti vidiki kariere uveljavljenih umetnikov so pogosto razkrivajoči. V tej sezoni so newyorški trgovci, ki iščejo svež material za razstave, združili skulpture Maxa Ernsta in zgodnje risbe Davida Hockneyja; izločil skulpturo Willema de Kooninga in pozne slike Francisa Bacona; in pregledal pozne slike Giorgia Morandija in eksperimentalne filme Ane Mendiete.

Morandijeve slike iz sredine stoletja so včasih kritizirali kot preveč komercialne, je dejal David Leiber, direktor galerije David Zwirner, a mi poskušamo odstraniti to prtljago. Beseda neopevan je v tej sezoni v običajni rabi, kot tudi njena posledica, ponovna ocena. Številne oddaje kažejo, da noben kamen ne sme biti prevrnjen. In večji podtekst je seveda denar.

Ko pa se umetnikove najbolj znane slike in skulpture zdijo preveč znane, ima delo, ki zavije z uhojene poti, nedvomno niansirano moč. In možnost, da bi se zmedli nad to izjemo ali tistim norim eksperimentom – celo, recimo, fotografijami omar Elizabeth Taylor – obljublja izkušnjo, ki odpira oči, ki je tudi izjemno zabavna.

Max Ernst je verjetno najbolj znan po svojih sanjskih kolažiranih krajinskih slikah. V Galeriji Paul Kasmin lahko gledalci zdaj razmišljajo o tem, kako se njegova igriva kolagistična estetika izraža v treh dimenzijah.

Max bi vzel stare cvetlične lončke, skodelice ali školjke in iz teh res skromnih predmetov zgradil skulpture, je povedal Nick Olney, direktor galerije in organizator Max Ernst: Paramiti: kiparstvo, 1934-1967 . Kasminova namestitev vključuje 14 del v bronu in kamnu; eden od osrednjih elementov, Najlepši, iz leta 1967 je kos iz apnenca v naravni velikosti, ki ga je Ernst izklesal kot poklon svoji ženi Dorothei Tanning.

Menimo, da so skulpture zelo klasične, je dejal gospod Olney. Tudi s sodobnim kiparstvom imajo veliko opraviti, ker so tako procesno usmerjeni. Do decembra 5, Galerija Paul Kasmin, 515 West 27th Street, Chelsea.

Slike Davida Hockneyja ponavadi pričarajo bujno praznovanje Kalifornije z vidika tujca. Ampak an razstava na drugem mestu Kasmin predstavlja bolj oseben pogled na tega britansko rojenega umetnika.

Slika

Eksperimentalna slika Ane Mendiete iz leta 1971, ki je bila odkrita, ko je bila prenesena iz super 8-milimetrskega filma v digitalni format visoke ločljivosti.Kredit...Zbirka Estate of Ana Mendieta/Galerie Lelong, New York

Moj oče je vrsto let najel veliko hišo v mestu Dordogne v Franciji, se je v intervjuju spominjal gospod Kasmin. Med številnimi umetniki, ki bi prišli ostati, je dejal, je bil Hockney vedno eden najbolj zabavnih. Vključuje več kot 50 del na papirju iz šestdesetih in sedemdesetih let prejšnjega stoletja, David Hockney: Zgodnje risbe se bo osredotočil na umetnikove darove kot risarja. Gospod Hockney je pogosto risal svoje prijatelje, vključno s pesnikom W. H. Audenom. Pogosto je pomečkal noge, a tukaj imate Henryjeve prste na nogah, odlično opravljene, je dejal gospod Kasmin, pri čemer se je skliceval na portret dolgoletnega prijatelja gospoda Hockneyja, kritika in kustosa Henryja Geldzahlerja, ki je prikazan na objavi razstave. Zgodnje risbe so polne draguljev, med njimi tudi tihožitje, ki vključuje klobuk očeta gospoda Kasmina. Od 3. novembra do 1. decembra 297 10th Avenue, blizu 27th Street, Chelsea.

Medtem ko je Willem de Kooning eden najbolj slavnih abstraktnih ekspresionističnih slikarjev, je bilo manj pozornosti posvečene petim letom, ki jih je porabil za izdelavo skulptur. Nato, lansko jesen, njegov bronasti Clamdigger (1972) v naravni velikosti, ki je desetletja stal na vhodu v njegov studio na Long Islandu, prineseno ogromnih 29,2 milijona dolarjev na dražbi, kar je rekord za njegovo delo v tem mediju. V Willem de Kooning: Kiparstvo (1972-74), galerija Skarstedt bo prikazala približno ducat skulptur, od glav, ki so visoke nogo ali toliko, do trupov in sedečih figur v naravni velikosti. Per Skarstedt, lastnik galerije, je povedal, da se je de Kooning prvi vpad v kiparstvo zgodil leta 1969, ko je med bivanjem v Rimu začel oblikovati majhne glinene figure.

Napravil jih je bolj za zabavo, za družino, je dejal gospod Skarstedt. Bronasti v razstavi vključujejo celotno skupino del v naravni velikosti. Trgovec je opisal lepo temno rjavo, skoraj črnkasto patino mnogih de Kooningovih odlitkov. Umetnik je glino oblikoval sam, tako da na površini čutiš njegove prste in roke, je dejal. Slikar George Condo, ki je delal tudi v bronu, je za razstavo napisal kataloški esej. Od 5. novembra do 19. decembra, 20 East 79th Street, Manhattan.

Slika

La Plus Belle Maxa Ernsta, poklon njegovi ženi Dorothei Tanning iz leta 1967.Kredit...Foto: Christopher Burke Studio/Paul Kasmin
Galerija; Kiparstvo: Max Ernst, Društvo za pravice umetnikov (ARS),
New York/ADAGP, Pariz

Ko se je odločil za zavarovanje posojila za razstavo Morandi v Davidu Zwirnerju, je gospod Leiber dejal, da je njegov cilj dražiti manj znane vidike zgodbe tega osamljenega italijanskega umetnika. Ko je v Museo Morandi v Bologni videl občasne pare Morandijevega dela z delom ameriških sodobnih umetnikov, je gospod Leiber začel preučevati okrnjen besednjak slik iz zadnjih dveh desetletij umetnikovega življenja. To je bil zelo ploden čas in tudi najbolj eksperimentalen, je dejal.

Giorgio Morandi bo vključeval okoli 20 slik pokrajin in tihožitij, od katerih jih je veliko rigoroznih raziskav geometrije in svetlobe. V svojih poznejših slikah je umetnik raziskoval, kako lahko zavese prenesejo zastrto in svetlečo kakovost. Včasih pri teh delih ni jasno, od kod prihaja svetloba, motivi pa so rahlo zamegljeni. Morandijev poudarek na produkciji serij v tej fazi njegove kariere najdemo pri nekaterih drugih umetnikih, ki nastopajo z Zwirnerjem, vključno z On Kawaro, Danom Flavinom in Donaldom Juddom. Judd je nekoč zapisal, da so Morandija, tako kot Chardin in Cézanne, zanimali predmeti in je verjel, da imajo stvari same realnost, ki jo je mogoče razumeti in pokazati. Petek, 6. novembra, do 19. decembra, 537 West 20th Street, Chelsea; razstava Morandijevih slik iz tridesetih let prejšnjega stoletja je na ogled do 25. junija v Centru za italijansko moderno umetnost, 421 Broome Street, SoHo.

Spremljati Francis Bacon: pozne slike, ki se odpira v soboto, 7. novembra, na sedežu na aveniji Madison, je galerija Gagosian izdala impresivno knjigo. V enem od esejev avtor Colm Toibin piše, da se umetniki v poznih letih običajno manj ukvarjajo s smrtjo kot z odkrivanjem nove oblike. Takšna oblika igra mirovanje proti nekemu globokemu in energičnemu mešanju v sebi, predlaga.

Tako kot kasnejše Morandijevo delo tudi Baconove pozne slike razkrivajo vse večjo naklonjenost poenostavljenim abstrakcijam. Nekdanji notranji dekorater, ki je oblikoval tudi pohištvo, je Bacon verjetno najbolj znan po svojih elegantnih portretih prijateljev in včasih nasilnih kompozicijah, ki jih navdihuje kubistično.

Prej v življenju je slikal le prijatelje, v poznem obdobju pa je mrežo zavil malo širše in je več pokrajin, je povedal Stefan Ratibor, režiser pri Gagosianu in eden od organizatorjev predstave.

Razstava obsega več kot 25 slik, večinoma izposojenih iz muzejev in zasebnih zbirk v New Yorku in Evropi. G. Toibin v svojem eseju opisuje več del, ki prikazujejo osrednjo figuro s senco. Nekaj ​​globoko vznemirljivega in dramatičnega je v drugem jazu, figuri, ki čaka na prenos energije, ki mu bo omogočila, da zaživi, ​​pa čeprav utripajoče, piše. sobota, 7. november, do 12. decembra, 980 Madison Avenue, na 76th Street.

Osebe, ki pozirajo za fotografinjo Catherine Opie iz Los Angelesa, so na splošno na splošno srečevale njen klikajoč zaklop z brezbrižnimi pogledi. Toda januarja, ko bo Lehmann Maupin odprl dve razstavi svojih nedavnih del, bo prevladoval občutek nežnosti. Tokrat so gledalci tisti, ki lahko strmijo v slike, namesto da bi bili v njih, je v intervjuju povedala gospa Opie.

V svojem prostoru na Lower East Sideu se bo predstavil Lehmann Maupin 700 Nimes Road, nov portfelj 50 fotografij, ki jih je gospa Opie posnela v losangeleškem dvorcu Elizabeth Taylor. Umetnik vidi projekt kot še en način razmišljanja o portretiranju. Taylor je vložila veliko energije v urejanje svojih dragocenih predmetov, je dejala gospa Opie. Ko je igralka umrla marca 2011, tri mesece po projektu, je dodala: Bilo je zelo težko. Vendar je gospa Opie še naprej fotografirala stvari, kot jih je pustila.

Slika

Peščena sipina, olje in pastel iz leta 1983 Francisa Bacona.Kredit...Fondation Beyeler, Riehen/Basel, zbirka Beyeler, posestvo Francisa Bacona, vse pravice pridržane, prek DACS, London, in ARS, NY

Gospa Opie je povedala, da si je Taylor vedno želela videti, kako se njen nakit iskri na klišejski način. Tako je na zadnji dan snemanja gospa Opie vse to odnesla ven in položila na blazino na soncu. Na najbolj sladek in občutljiv način, je rekla, sem ji sijala njen nakit. 700 Nimes Road, od 14. januarja do 27. februarja, 201 Chrystie Street; Portreti in pokrajine, isti datumi, 536 West 22nd Street, Chelsea.

Umetnica Ana Mendieta, ki je v ZDA s Kube prispela leta 1961 kot begunski otrok in umrla pri 36 letih, potem ko je padla skozi odprto okno, je že dolgo občudovana zaradi svoje transgresivne uporabe lastnega telesa na fotografijah, skulpturah in performansih. Interaktivno in eksperimentalno v filmih Ane Mendiete, ki se odpira februarja v Galerie Lelong, predstavlja nedavno odkrito zbirko eksperimentalnih del, v katerih je Mendieta igrivo montirala, praskala ali ustvarjala iluzijo, da slika na dejanski film.

Veliko je nenavadnih stvari, je povedala Mary Sabbatino, partnerka v galeriji. Povedala je, da so bila eksperimentalna dela odkrita, ko so bili stari filmski koluti preneseni v digitalni format visoke ločljivosti.

V oddaji je približno 10 filmov, projiciranih in na monitorjih ter barvnih in črno-belih, ter sorodne fotografije in efemeri. V enem filmu Mendieta najame učence v osnovni šoli, da tečejo, medtem ko držijo robove padala, da se napihne; v drugi so po telesu svetle barve in videti je, kot da ima metuljeva krila; v drugem pa v zrak poči bel balon in razkrije puranje perje, ki plava na tla. Mnogi razkrivajo surov občutek začudenja; njena naklonjenost materialom, ki spreminjajo obliko, kot je eksplodirajoči smodnik ali ogenj, ki požre predmete, kot je tkanina, prav tako razkriva ostro zaskrbljenost s časom. Od 6. februarja do 26. marca, 528 West 26th Street, Chelsea.

Slika

Fotografija iz leta 1975 iz filma Ane Mendiete.Kredit...Zbirka Estate of Ana Mendieta/Galerie Lelong, New York

Kaj enega vplivnega umetnika pripelje do slave, drugega pa čedalje bolj podcenjeno? To večno vprašanje ostaja skrivnost za vse nas, je dejala Lucy Mitchell-Innes, ustanovna partnerica Mitchell-Innes & Nash, ki bo aprila gostila dolgo pričakovano retrospektivo slik Toma Wesselmanna. G. Wesselmann, pionir pop arta, je bil dobro znan v šestdesetih in sedemdesetih letih prejšnjega stoletja, a je v kasnejših desetletjih padel z radarja. Mitchell-Innes & Nash, ki je letos začel zastopati posestvo Wesselmann, namerava to spremeniti.

Tom Wesselmann bo vseboval ducat pomembnih slik in stenskih reliefov, ki jih je umetnik naredil med letom 1961 in svojo smrtjo leta 2004. Wesselmann je uporabil osupljivo raznolikost materialov, od oblikovane plastike do rezanega jekla do panojev, ki prikazujejo, recimo, oglase za bikini. Njegova tihožitja pogosto vključujejo resnične fizične predmete, kot so okenski okvir, ura, ventilator ali Hellmanov kozarec majoneze; pokrajina iz leta 1965 prikazuje kolažni izrez rdečega Volkswagna v naravni velikosti.

V njegovem delu je veliko tehničnih novosti, ki so zelo zanimive, je povedala gospa Mitchell-Innes. Od 21. aprila do 28. maja, 534 West 26th Street, Chelsea.